El invento del grupo de rock británico Queen

Queen

Freddie Mercury

Freddie Mercury fue el líder del grupo de rock británico Queen durante 20 años (desde 1971 hasta su muerte en 1991). Su extraordinario talento como showman lo convirtió en una figura central del glam rock de la década de 1970.

Queen, grupo de rock británico famoso por sus espectaculares representaciones y su combinación ecléctica de rock, jazz, ópera y música disco.

El cuarteto fue creado en 1971 por el cantante Freddie Mercury (su verdadero nombre era Frederick Bulsara), el guitarrista Brian May, el bajista John Deacon y el percusionista Roger Taylor. Sus primeros temas, como “Seven Seas of Rhye” y “Killer Queen” (ambos de 1974), demostraron la afinidad del grupo con la tendencia glam, con poses teatrales y estilo andrógino. Mercury demostró ser un showman enérgico, ingenioso, intencionadamente pretencioso y proclive a las insinuaciones. Su consagración llegó con la publicación del disco A Night at the Opera en 1975. Éste fue un álbum excepcional porque la versión editada de la canción duraba casi seis minutos, el doble de un tema pop normal, e iba acompañada de un videoclip musical de contenido melodramático pionero en su género.

Queen grabó canciones, como “We Are the Champions” (1977), que obtuvieron un enorme éxito, y alcanzó los primeros puestos de ventas con “Another One Bites the Dust” (1980). Mercury falleció el 24 de noviembre de 1991. En mayo de 1992 se organizó en el Wembley Stadium de Londres un homenaje musical en su memoria bajo el título de A Concert for Life. En su dúo con la cantante lírica española Montserrat Caballé en la canción “Barcelona”, con motivo de los Juegos Olímpicos de 1992, Freddie Mercury había demostrado sus extraordinarias dotes como vocalista.

La vida de Queen tuvo una sorprendente prolongación en 2005, al emprender la banda una exitosa gira mundial y publicar un doble disco, Return of the champions, con el cantante Paul Rodgers como vocalista.

Queen: discografía

AÑO	DISCO	PRINCIPALES CANCIONES
1973	Queen	' Keep Yourself Alive ' ' Great King Rat ' ' Night Comes Down '
1974	Queen II	' Father to Son ' ' Seven Seas of Rhye '
1974	Sheer Heart Attack	' Killer Queen ' ' Now I'm Here ' ' In the Lapse of the Gods '
1975	A Night at the Opera	' You're My Best Friend ' ' Bohemian Rhapsody '
1976	A Day at the Races	' Tie Your Mother Down ' ' Somebody to Love ' ' Teo Toriatte '
1977	News of the World	' We Will Rock You ' ' We Are the Champions '
1978	Jazz	' Fat-Bottomed Girls ' ' Bicycle Race ' ' Don't Stop Me Now ' ' Let Me Entertain You '
1980	The Game	' Play the Game ' ' Another One Bites the Dust ' ' Crazy Little Thing Called Love ' ' Save Me '
1982	Hot Space	' Body Language ' ' Under Pressure '1
1984	The Works	' Radio Ga Ga ' ' It's a Hard Life ' ' I Want to Break Free '
1986	A Kind of Magic	' One Vision ' ' Kind of Magic ' ' Friends Will Be Friends ' ' Who Wants to Live Forever? '
1989	The Miracle	' I Want It All ' ' Breakthru '
1991	Innuendo	' Headlong ' ' The Show Must Go On '
1 En colaboración con David Bowie.

El invento del grupo de rock Creedence Clearwater Revival

Creedence Clearwater Revival

Creedence Clearwater Revival

El grupo de rock Creedence Clearwater Revival fue uno de los muchos grupos de California que intentaron fundir las músicas que habían influido en el nacimiento del rock and roll con los sonidos posteriores a éste, como el soul.

Creedence Clearwater Revival, banda estadounidense de rock fundada en 1967 en Berkeley (California) y disuelta en 1972.

El guitarrista y cantante John Fogerty, su hermano Tom, también guitarrista, el bajo Stu Cook y el percusionista Doug Clifford comenzaron a tocar juntos siendo aún estudiantes. Estos músicos, procedentes todos ellos de los alrededores de San Francisco, se unieron para formar un grupo que inicialmente se denominó Blue Velvets y más tarde The Golliwogs. En sus inicios, imitaron con poco éxito a las bandas inglesas de música beat. Más tarde, adoptaron el nombre de Creedence Clearwater Revival, tras el cual se oculta un juego de palabras: Creedence es un acrónimo de las palabras creed (credo) y credence (fe); Clearwater —vocablo tomado de un espacio publicitario de cerveza— es un símbolo de pureza, claridad, profundidad; y Revival significa renacimiento y resurgimiento.

Con este nombre, un rock rápido y lineal y unas canciones originales emanadas de la pluma de John Fogerty obtuvieron gran éxito. Su repertorio contenía también adaptaciones de temas clásicos del rhythm and blues, como “I Put a Spell on You” de Screamin’ Jay Hawkins, “Suzie Q” de Dale Hawkins o “I Heard It Through the Grapevine” de Marvin Gaye. El tema principal de sus canciones era el sur de Estados Unidos en la época de Mark Twain: el Mardi Gras, el barco de vapor Proud Mary, el río Mississippi.

CCR, nombre abreviado con el que se conocía a la banda, logró situar en las listas de ventas varios números uno. La canción “Hey Tonight” constituyó uno de sus mayores éxitos. Esta racha se interrumpió en 1971 al abandonar el grupo el guitarrista Tom Fogerty. Los demás miembros de la formación continuaron tocando juntos hasta 1972. John Fogerty volvió a obtener un gran triunfo con “Rockin’ All Over the World”, canción que se hizo famosa sobre todo en la versión del grupo británico Status Quo.

Entre los discos más importantes de la banda figuran Creedence Clearwater Revival (1968), Green River (1969) y Cosmo’s Factory (1970). Varios de los temas extraídos de estos discos se convirtieron igualmente en grandes éxitos (entre ellos, “Up Around the Bend” y “Lookin’ Out My Back Door”).

El invento del grupo de rock británico AC/DC

AC/DC

AC/DC, grupo de rock británico de origen australiano. Lo fundaron en 1973 en Sydney los hermanos Malcolm y Angus Young, junto con Bon Scott, Mark Evans y Phil Rudd. Han desarrollaron un sonido que se encuadra dentro del heavy metal influido por la música de The Rolling Stones. Sus explosivas actuaciones en directo se hicieron famosas desde un principio gracias, en gran medida, al extravagante estilo de su guitarrista principal, Angus Young, que siempre vestía con uniforme de colegial en los conciertos. En 1976 se trasladaron a Gran Bretaña (los hermanos Young habían nacido en Glasgow), e inmediatamente ocuparon los primeros puestos de ventas del país con discos como Let There Be Rock (1977) y Powerage (1978), a los que siguieron If You Want Blood You've Got It (1978) y el disco Highway to Hell (1979), del que se vendieron millones de copias. En febrero de 1980, el vocalista Bon Scott falleció por consumo excesivo de alcohol y fue sustituido por Brian Johnson, que pertenecía al grupo Geordie.

Aunque llegaron a Gran Bretaña en pleno auge del punk rock, en poco tiempo obtuvieron una enorme aceptación del gran público. El álbum Back in Black (1980) alcanzó el primer lugar en la lista de los discos más vendidos del país y les catapultó a Estados Unidos. En la segunda mitad de la década de 1980, una serie de acontecimientos personales hicieron creer que el grupo ya había pasado sus mejores momentos, aunque sus discos se mantuvieron en las listas de éxitos hasta la década de 1990. En 1993, el sencillo “Big Gun”, que utilizaron para la banda sonora de la película interpretada por Arnold Schwarzenegger El último gran héroe, de John McTiernan, alcanzó de nuevo las listas de los más vendidos en Gran Bretaña. En 1995 grabaron el disco Ballbreaker y en 2000 lanzaron Stiff Upper Lip, en el que proclaman su fidelidad al rock más rebelde.

El invento del Grupo Fluxus

Grupo Fluxus

Grupo Fluxus, grupo internacional de artistas, creado a principios de la década de 1960, que recoge algunas de las experiencias ya elaboradas por Marcel Duchamp y el movimiento Dadá, que pretendían trastornar el arte y su concepto tradicional, partiendo de la fusión de todas las artes y de la eliminación de la barrera entre arte y vida.

En 1961 apareció el término, acuñado por George Maciunas (1931-1978), auténtico promotor del movimiento y creador de la revista que lleva el mismo nombre. Ese año se celebró la primera de las exposiciones del grupo en la galería AG de Nueva York, donde se presentaron varias series de performances y en cuyas tarjetas de visita aparecía ya el nombre de Fluxus.

Se pueden considerar algunos precedentes que originaron el nacimiento de este grupo, relacionados con algunas publicaciones y exposiciones en torno al movimiento Dadá. En 1951 se publicó una antología de Robert Motherwell, The Dada Painters and Poets: an Anthology, y en 1958 se celebró una exposición en Düsseldorf (Alemania), “Dada. Dokumente einer Bewegung”. También es inevitable aludir al compositor estadounidense John Milton Cage al hablar de los orígenes del grupo: en 1958 Cage impartió un seminario en la New School of Research de Nueva York en el que participaron George Brecht, Dick Higgins, Al Hansen y Allan Kaprow, futuros miembros de Fluxus.

Entre 1962 y 1964 Maciunas organizó la Gira Fluxus, que visitó ciudades como Berlín, Tokio o Moscú. En ella se unían la música, las acciones, las artes plásticas y también la palabra. En 1965, la difusión internacional del grupo se había iniciado.

Para entonces, Brecht ya había organizado un evento como continuación norteamericana de la experiencia europea, el Yam Festival (1963). Kaprow creó entre 1956 y 1958 sus assemblages de objetos encontrados, happenings y environments, obras generalmente escultóricas en tres dimensiones, donde se invita al espectador a circular entre ellas. Otro miembro del grupo, Wolf Vostell, realizó en 1958 sus primeros happenings callejeros y desarrolló sus dé-collages, basados en un método de trabajo que borra, recubre o modifica algunos medios de comunicación y sus producciones, aplicándolo a la electrónica y a aparatos electroacústicos, sobre todo la televisión. También el coreano Nam June Paik, que había realizado una tesis doctoral sobre Arnold Schönberg, realizó por esta época algunas acciones espectaculares. En septiembre de 1962, Vostell, Maciunas, Higgins y Paik organizaron el Festival Fluxus en Wiesbaden (Alemania), donde con martillos y sierras destrozaron el piano que debían tocar.

Música, performances, acciones, happenings, environments, conciertos y festivales se unieron durante la década de 1960 para proceder a una fusión de todas las artes, guiados por el espíritu de Duchamp y su producción alternativa y vital.

El invento de los Beatles

The Beatles

Let it Be

Let it Be fue el último álbum publicado por The Beatles antes de su separación. En la cinta que se filmó durante su grabación ya se aprecia la tensión que existía entre los componentes del grupo. En este póster en el sentido de las agujas del reloj y comenzando por la parte superior izquierda podemos ver a John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr.

The Beatles, grupo musical británico de la década de 1960 que revolucionó la música rock y pop; sus composiciones se encuentran entre las más notables de estos géneros. Estaba formado por cuatro jóvenes de Liverpool: John Winston Lennon (1940-1980), como guitarra rítmica; Richard Starkey (1940), más conocido con el nombre de Ringo Starr, como batería; James Paul McCartney (1942), como bajista; y George Harrison (1943-2001), como guitarra solista.

El grupo fue creado a finales de la década de 1950 por Lennon, con el nombre de The Quarrymen, al que posteriormente ingresaron Paul McCartney y, a instancias de este último, George Harrison. El puesto de batería constituyó siempre una fuente de problemas hasta que recayó definitivamente en Ringo Starr en octubre de 1962, en vísperas de la primera sesión de grabación del grupo.

El conjunto era uno más entre los múltiples grupos que surgieron en Liverpool, ciudad portuaria a la que llegaban los ecos del rock and roll estadounidense de mediados de la década de 1950. En efecto, lo que The Beatles hacía en sus inicios era su propia interpretación de la música que realizaban figuras como Elvis Presley, Chuck Berry, Little Richard, Carl Perkins, Fats Domino y otros pioneros de este tipo de música. En el año 1960 el grupo marchó a Hamburgo, contratado para tocar en locales nocturnos de esta ciudad. Ese periodo resultó fundamental para la banda. Cuando regresaron de nuevo a Inglaterra ya habían alcanzado su madurez personal y musical. Comenzaron a gozar de gran popularidad en la zona del Mersey, aunque no conseguían firmar un contrato con una casa discográfica. Por fin, y cuando se encontraban en una situación desesperada, lograron firmar un contrato gracias a George Martin, productor con formación de música clásica y personaje fundamental en la posterior carrera del conjunto.

Sus primeras grabaciones consistieron fundamentalmente en el repertorio que tocaban en directo, esto es, rhythm and blues y rock and roll. Pero a su vez empezaron a componer sus propias canciones, en las que destacaba la parte vocal. La fama del grupo creció y rebasó las fronteras de su región natal para alcanzar en el año 1963 dimensiones nacionales, dando origen al fenómeno conocido como beatlemanía, que en 1964 alcanzó de forma espectacular a Estados Unidos con ocasión de la primera gira que hicieron por ese país.

En 1964 protagonizaron, bajo la dirección de Richard Lester, su primer largometraje, ¡Qué noche la de aquel día!, en el que se relataba un día en la vida del grupo. Al año siguiente, y con el mismo director, rodaron Help! Entre 1964 y 1966 compaginaron giras por casi todo el mundo con sesiones de grabación en las que la música resultaba cada vez más compleja con la utilización de nuevos instrumentos e innovadores métodos de grabación. Ejemplo de ello es la utilización de un doble cuarteto de cuerda en el tema “Eleanor Rigby” como única instrumentación. Además, su estilo era ya difícil de encasillar, puesto que incluía rock and roll puro, soul, jazz electrónico, blues o música india. En agosto de 1966 pusieron fin a sus conciertos ante la imposibilidad de plasmar en un escenario su música. Resultado de esta experimentación fue la publicación en junio de 1967 de su famoso disco Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, en el que The Beatles culminaron todas sus experimentaciones, tanto con instrumentos como con sistemas de grabación. En 1967 protagonizaron Magical Mistery Tour, una película para televisión, que constituyó el primer fracaso de crítica.

En enero de 1969 grabaron, mientras eran filmados en el estudio, lo que se convertiría en el Lp titulado Let It Be que pretendía recoger sus primeras canciones en directo, es decir, sin emplear los recursos del estudio de grabación. Sin embargo, las diferencias personales y musicales se hicieron patentes y las grabaciones no saldrían a la luz hasta abril de 1970. En verano de 1969 regresaron a los estudios para realizar las que serían sus últimas grabaciones, el Lp titulado Abbey Road, que para muchos constituye la mejor obra del grupo a pesar de la animosidad existente entre sus miembros. En abril de 1971 Paul McCartney llevó a sus compañeros a los tribunales para disolver legalmente el grupo.

Cada uno de sus miembros continuó su carrera en solitario, con éxito desigual. John Lennon fue asesinado en 1980. Entre 1994 y 1995 los tres miembros restantes trabajaron con las maquetas de canciones de Lennon, superponiendo instrumentos y voces. Estas melodías se han publicado como canciones del grupo, junto a una colección de composiciones inéditas y tomas previas o alternativas de otras ya existentes, y a un documental sobre la historia del grupo narrada por sus componentes.

The Beatles: discografía

AÑO	DISCO	PRINCIPALES CANCIONES
1963	Please, Please Me	“Please, Please Me” “Love Me Do” “I Saw Her Standing There” “Twist and Shout”
1963	With The Beatles	“It Won’t Be Long” “All My Loving” “I Wanna Be Your Man”
1964	Meet The Beatles	“I Want To Hold Your Hand” “This Boy”
1964	Beatles’ Second Album	“Roll Over Beethoven” “She Loves You”
1964	Something New	“Things We Said Today” “And I Love Her”
1964	A Hard Day’s Night	“Hard Day’s Night” “Can’t Buy Me Love” “I Should Have Known Better”
1964	Beatles for Sale	“I’m A Loser” “Eight Days A Week”
1965	Help!	“Help!” “You’ve Got To Hide Your Love Away” “Ticket To Ride” “Yesterday”
1965	Rubber Soul	“Drive My Car” “Norwegian Wood (This Bird Has Flown)” “Nowhere Man” “Michelle” “Girl” “In My Life”
1966	Revolver	“Taxman” “Eleanor Rigby” “Yellow Submarine” “Tomorrow Never Knows”
1967	Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band	“With A Little Help From My Friends” “Lucy in The Sky With Diamonds” “She’s Leaving Home” “Within You, Without you” “A Day in The Life”
1967	Magical Mystery Tour	“Fool On The Hill” “I Am The Walrus” “Strawberry Fields Forever” “Penny Lane” “All You Need Is Love”
1968	The Beatles (The White Album)	“Back in The U.S.S.R.” “Ob-La-Di Ob-La-Da” “While My Guitar Gently Weeps” “Blackbird” “Julia” “Yer Blues” “Helter Skelter” “Revolution 9”
1969	Yellow Submarine	“Yellow Submarine”
1969	Abbey Road	“Come Together” “Something” “Here Comes The Sun” “I Want You (She’s so Heavy)”
1970	Let It Be	“Across The Universe” “Let It Be” “The Long and Winding Road” “Get Back”
1988	Past Masters, vol. 1 & 2	“Rain” “Bad Boy”
1994	Live at The BBC	“Carol” “Long Tall Sally” “She’s A Woman” “I Feel Fine”

El Palacio de las Tullerías

Palacio de las Tullerías

Palacio de las Tullerías, antiguo palacio real en París, situado en la orilla derecha del Sena, colindante con el Louvre en un lugar llamado Tuilleries (tejerías), de ahí su nombre. Construido a partir de 1564 para Catalina de Medici según los planos de Philibert Delorme, fue terminado a comienzos del siglo XVII. Jean Bullant, Jacques du Cerceau y Louis Le Vau también contribuyeron en el proyecto. Al lado del palacio se reservaron 50 ha cubiertas de jardines.

Durante la Revolución Francesa Luis XVI, María Antonieta y sus hijos fueron obligados a abandonar el Palacio de Versalles y se refugiaron en las Tullerías el 6 de octubre de 1789. Desde aquí la familia real se escapó de París en la noche del 21 de junio de 1790. El palacio fue tomado por el pueblo el 10 de agosto de 1792; se descubrió documentación comprometedora en un armario secreto, lo que permitió juzgar y ejecutar a Luis XVI.

En 1793 el palacio fue ocupado por el Comité de Salvación Pública. Luego fue destruido por los seguidores de la Comuna de París en 1871, pero el Jardín de las Tullerías, el jardín del palacio, es actualmente un parque público.

El Palacio de La Granja

Palacio de La Granja

Palacio de La Granja

Vista de los jardines y la fachada posterior del palacio de La Granja, cerca de Segovia (España). Fue construido por el arquitecto de origen alemán Teodoro Ardemans para el rey español Felipe V. La fachada este (en la imagen), que corrió a cargo del italiano Filippo Juvarra, es una de las más notables del barroco español.

Palacio de La Granja, conjunto palaciego situado en La Granja, provincia de Segovia (España). Es uno de los ejemplos más representativos de la arquitectura barroca cortesana española del siglo XVIII.

Por encargo del monarca español Felipe V, el arquitecto de origen alemán Teodoro Ardemans proyecta en La Granja un palacio, quizá retomando una hospedería de jerónimos, que se concibe a la manera de un pequeño alcázar en torno a un patio cuadrado con sendas torres con chapiteles en las esquinas. En el lado oeste añade una capilla con torres laterales y una gran cúpula. Será por iniciativa de Isabel de Farnesio, segunda esposa de Felipe V, cuando, entre 1727 y 1734, se engrandecerá y enriquecerá el palacio con una nueva ampliación a cargo de artistas italianos (Giulio Cesare Procaccini y Subisati). Serán dos nuevos patios en forma de U que prolongarán las fachadas este y oeste que dan a los jardines y a la población respectivamente: uno abierto al sur, el patio de la Herradura, y otro al norte, el de los Coches. La fachada oeste se unirá a las casas de oficios generando un gran espacio arquitectónico presidido por la colegiata como fondo de simetría. El patio de la Herradura muestra una fachada curva de gran plasticidad con una arquitectura de escala menuda: dos órdenes de pilastras y columnas articulan la alternancia de huecos adintelados, arquerías y nichos. El patio de los Coches, quizá obra del propio Ardemans, de fachadas rectas, es más sobrio.

La fachada este, de gran policromía de materiales (granito gris y rosa, mármol blanco) correrá a cargo del siciliano Filippo Juvarra, pero su muerte prematura dejará los trabajos en manos de su discípulo turinés Juan Bautista Sacchetti. Se trata quizá de la más notable fachada del barroco clasicista. Las columnas y pilastras arrancan directamente del suelo, sin basamento, y corona la composición un magnífico atrio rectangular con motivos heráldicos y balaustrada, a cuyos lados se observa la huella, truncada con balaustradas, de las primitivas torres que ideara Ardemans. También destacan los hermosos jardines, típicamente franceses (calles, plazoletas, grandes perspectivas, fuentes escultóricas), proyectados por René Carlier en una emulación de los del palacio francés de Versalles.

El invento del Palacio del Palacio de Hampton Court

Palacio de Hampton Court

Palacio de Hampton Court

El palacio de Hampton Court, construido en estilo Tudor durante el siglo XVI, está estrechamente ligado a la memoria de Enrique VIII y otros monarcas ingleses posteriores.

Palacio de Hampton Court, palacio real situado en la orilla del río Támesis, al suroeste de Londres. Fue mandado construir por el cardenal Thomas Wolsey, primer ministro de Enrique VIII, y posteriormente regalado al monarca inglés en 1525.

En su origen estaba organizado alrededor del patio del Reloj; más tarde, Enrique VIII mandó construir el gran vestíbulo (1532-1534), la capilla y la nueva residencia real. La siguiente ampliación fue llevada a cabo por el arquitecto inglés Christopher Wren por encargo del monarca Guillermo III y su esposa María. Estos trabajos tuvieron continuidad bajo los reinados de Ana Estuardo, Jorge I y Jorge II de Gran Bretaña.

El interior está decorado por artistas como James Thornhill y Antonio Verrio, y algunas habitaciones contienen grabados de Grinling Gibbons. La galería de dibujos, terminada en 1695, fue levantada para exponer una serie de cartones realizados por Rafael, que ahora se conservan en el Museo Victoria y Alberto. Los jardines mantienen el aspecto de los siglos XVI y XVII. En 1838 el palacio fue abierto al público por la reina Victoria I.

El invento del Palacio de Palacio de Carlos V

Palacio de Carlos V

Palacio de Carlos V

El soberano español Carlos V mandó construir junto a la Alhambra de Granada un edificio renacentista que sirviera de puerta al palacio Nazarí. El edificio, de planta cuadrada, contiene un hermoso patio porticado circular rodeado por 32 columnas de mármol. El exterior del palacio mide 63 metros de lado por 17,5 metros de alto.

Palacio de Carlos V, edificio construido por encargo del emperador Carlos I de España y V de Alemania como residencia imperial en la Alhambra de Granada, magnífico exponente de la arquitectura renacentista española. Comenzado en 1528, en sus trazas se aprecia el contacto con las lecturas vitrubianas (a través de Rafael, Peruzzi y, sobre todo, Giulio Romano) de su autor, Pedro Machuca. Se trata de un edificio de planta cuadrada que introduce como elemento innovador un patio circular, un motivo próximo al espíritu geométrico del renacimiento. Está girado respecto a la trama principal de los patios y edificios Nazaríes, con una capilla de planta octogonal que sirve de articulación en uno de los ángulos del cuadrado, y genera un interesante encuentro con el lienzo sur del patio de Comares. El patio interior tiene un diámetro aproximado de 30 m, con una composición de alzados adintelados, en contraste con las tradicionales arquerías italianas, y combina dos órdenes superpuestos: el inferior dórico-toscano y el superior jónico, separados por un entablamento de triglifos y metopas. El arquitecto proyectó también una balaustrada sobre el orden superior que no llegó a construirse. El cuerpo bajo está cubierto por una bóveda de cañón construida en piedra ligera, lo que podría explicar su estructura adintelada. La columnata superior no llegó a cubrirse. El aspecto global del patio es de bastante ligereza, en contraste con la poderosa pesantez de las fachadas, más acordes con el espíritu monumental romano. Los alzados exteriores están concebidos según una composición continua, inspirados en las ordenaciones plásticas de Rafael Sanzio. Como rasgos característicos, se repite la doble ordenación dórico-jónica (corintia en el nivel superior de la fachada meridional) con entablamento intermedio, un basamento inferior de sillares almohadillados muy pronunciados, ritmos de pilastras y huecos circulares —algunos abocinados— sobre los rectangulares inferiores, y alternancia de frontones rectos y curvos. Los principales materiales utilizados fueron la piedra calizo-arenisca rojiza en todo el palacio y el mármol grisáceo en las portadas.

El invento del Palacio del Dux

Palacio del Dux

Palacio del Dogo en Venecia

El palacio del Dogo era la residencia oficial de los príncipes electos de la antigua república veneciana. El edificio actual data de principios del siglo XIV, aunque después de los daños ocasionados por un incendio en el siglo XVI se reconstruyeron los interiores, decorados con frescos de artistas venecianos como

Palacio del Dux, edificio público que centralizó la administración de la república de Venecia hasta su caída en 1797. Además de ser la residencia del dogo (jefe electo de la ciudad-estado), el conjunto contaba con dependencias burocráticas, espacios para asambleas, salas para la administración de justicia y celdas para presos (en una de ellas estuvo encarcelado Giacomo Casanova).

Hacia el año 810 se erigió una fortaleza en el lugar que hoy ocupa el palacio del Dux; este momento señaló el inicio de la expansión política y económica de la ciudad-estado de Venecia. La parte más antigua del edificio actual data del siglo XIV y su aspecto exterior es eminentemente medieval. La fachada gótica que da al Gran Canal fue comenzada en 1340, y en 1404 se le añadió el balcón ceremonial. La fachada oriental, completada después de 1424, presenta una decoración escultórica excepcional. Una serie de incendios destruyeron el espacio interior medieval, que fue reconstruido fundamentalmente en el siglo XVI y decorado por los principales artistas venecianos de aquel momento. Entre los fragmentos más interesantes destacan la escalera Dorada, concluida en 1559; el Anticolegio y la sala del Colegio, pintados por Pablo Veronés y Tintoretto; la sala del Senado, cuyos techos presentan frescos de Tintoretto y su taller; y la gran sala del Consejo Mayor, decorada entre 1578 y 1585 (después de un incendio) por Tintoretto, Veronés y otros pintores de la época. El conocido puente del Suspiro cruza el canal que separa el palacio de la nueva cárcel (construida entre 1560 y 1614).