El Grupo en matemáticas

El Grupo en matemáticas

Grupos: figuras 1, 2 y 3

En matemáticas un grupo está formado por un conjunto de elementos, incluyendo un elemento neutro y un elemento recíproco para cada elemento, y una operación. La operación toma dos elementos cualesquiera para dar otro elemento del conjunto. La figura 1 ilustra cinco de los seis elementos que, junto con el elemento neutro e, transforman un triángulo equilátero en sí mismo: r 1 gira el triángulo 120º, r 2 lo gira 240º, y f 1, f 2 y f 3 voltean al triángulo alrededor de las rectas L 1, L 2 y L 3 respectivamente. Las figuras 2 y 3 muestran cómo al aplicar f 2 y después r 1 a un triángulo equilátero el efecto es idéntico a aplicar sólo f 1.

Operaciones de un grupo: figura 4

Esta tabla de multiplicar muestra el resultado de multiplicar cualquier pareja del grupo de seis elementos que transforman un triángulo equilátero en sí mismo. Para saber el resultado de multiplicar dos de ellos, se busca el primero en la columna de la izquierda y el segundo en la fila superior; el resultado se encuentra en la intersección de la fila y la columna correspondientes. Por ejemplo, la tabla indica que f 1 veces r 2, es decir, girar el triángulo 240° y después voltearlo alrededor del vértice superior, es igual que f 3, que es voltearlo alrededor del vértice inferior izquierdo.

Grupo (matemáticas), estructura básica del álgebra moderna, formada por un conjunto de elementos y una operación. Esta operación toma dos elementos cualesquiera del conjunto para dar otro elemento del conjunto, cumpliéndose ciertas condiciones. La teoría de los grupos es muy estudiada en matemáticas, y se utiliza en muchos campos científicos. Por ejemplo, los grupos se utilizan en química para describir la simetría de moléculas, y el grupo de Lorentz es parte central de la relatividad especial. Así mismo, la teoría de grupos desempeña un papel importante en la física atómica, en donde ha ayudado al descubrimiento de nuevas partículas elementales.

Un ejemplo de grupo es el conjunto de todos los números enteros con la operación de la adición ordinaria. La operación + (suma) toma dos números como el 3 y el 7 y da su suma: 3 + 7. La adición de números enteros cumple tres propiedades que son comunes a todos los grupos. En un grupo generalizado, la operación ∘ toma dos elementos como x e y para formar el elemento x∘y.

Veamos dichas propiedades:

(1) Asociativa: Para sumar -3, 4 y 6 se puede hacer como (-3 + 4) + 6 = 1 + 6 = 7 o como -3 + (4 + 6) = -3 + 10 = 7. En un grupo estos dos métodos distintos deben dar siempre el mismo resultado para tres elementos cualesquiera. En otras palabras, (x∘y)∘z = x∘(y∘z) para todas las x, y y z del grupo.

(2) Elemento neutro: El número 0 tiene la propiedad de que al ser sumado a otro número por la derecha o por la izquierda da como resultado el mismo número. Por ejemplo, 6 + 0 = 6 = 0 + 6. En todo grupo debe haber siempre un elemento especial, denotado por e, con la propiedad de que x∘e = x = e∘x para cualquier elemento x del grupo. Este elemento especial se denomina elemento neutro del grupo.

(3) Elemento recíproco: El número -6 se denomina recíproco o inverso del 6 pues al sumar -6 y 6 da 0, el elemento neutro. En un grupo genérico, para todo elemento x debe existir un elemento y tal que x∘y = e = y∘x.

Formalmente, un grupo es un conjunto de elementos junto con una operación (∘) que satisface las propiedades (1), (2) y (3). Si además de estas propiedades, se cumple que x∘y = y∘x (propiedad conmutativa) para cualquier pareja de elementos del grupo, entonces se dice que es un grupo conmutativo o abeliano. El conjunto de los números enteros con la operación de la adición es un grupo abeliano pues el orden de los sumandos no altera la suma, como muestra el ejemplo 2 + 7 = 7 + 2.

El conjunto de los enteros con la operación de la sustracción no es un grupo porque no tiene la propiedad asociativa. Por ejemplo, (5 - 4) - 3 es distinto de 5 - (4 - 3). El conjunto que sólo contiene a los números 1 y -1 junto con la operación de la multiplicación es un grupo abeliano. En este último ejemplo, el elemento neutro es 1, y el recíproco o inverso de -1 es -1 pues (-1)∘(-1) = 1.

Los grupos aparecen a menudo relacionados con simetrías. Por ejemplo, tomemos las seis maneras en que un triángulo equilátero se puede mover manteniéndose igual a sí mismo. En la figura 1 se muestra el conjunto de los movimientos, que está formado por e, en la que el triángulo no se mueve, por las rotaciones r₁ y r₂ de 120 y 240 grados respectivamente alrededor del centro en el sentido de las agujas del reloj, y por los volteos f₁, f₂ y f₃ alrededor de las líneas L₁, L₂ y L₃ respectivamente. Se define una operación en este conjunto de movimientos de manera que x∘y es el resultado de hacer primero y y luego x. Por ejemplo, r₁∘f₂ es el resultado de primero voltear alrededor de L₂ para dar la figura 2 y después rotarlo 120 grados para obtener la figura 3. Esta última figura se puede obtener también con sólo hacer f₁, y por tanto r₁∘f₂ = f₁. Este resultado se anota en la tabla de multiplicar de la figura 4: f₁ aparece en una casilla a la derecha de la r₁ de la primera columna y por debajo de la f₂ de la primera fila. Se puede demostrar que estos seis elementos junto con la operación ∘ aquí definida forman un grupo donde e es el elemento neutro. No es un grupo conmutativo porque r₁∘f₂ es distinto de f₂∘r₁, como se puede ver en la figura 4.

Comunidad Andina

El invento de la Comunidad Andina

Comunidad Andina, organización internacional de ámbito sudamericano conocida por el nombre de Grupo Andino hasta abril de 1996, fecha en que cambió su denominación de ‘grupo’ por el de ‘comunidad’. Es uno de los bloques económicos más antiguos del mundo, y en la actualidad está integrado por Bolivia, Colombia, Ecuador y Perú (Chile se retiró en 1976 y Venezuela en 2006).

La Comunidad Andina (CAN) nació en 1969 con la firma del Acuerdo de Cartagena, también conocido como Pacto Andino, cuyo objetivo era crear una unión aduanera. Formada además por el Sistema Andino de Integración (SAI), un conjunto de órganos e instituciones que trabajan estrechamente vinculados, los principales objetivos de la CAN son profundizar la integración interregional, fomentar el desarrollo económico y promover la proyección externa de sus integrantes. Durante la década de 1990, al igual que otros bloques regionales, vivió un fuerte impulso en el desarrollo comercial, pero en el siglo XXI se ha visto afectada por las profundas crisis económicas y sociales de los estados miembros.

Su máximo órgano resolutivo es el Consejo Presidencial Andino, formado por los jefes de Estado de sus países miembros y encargado de dar las directrices de trabajo. También cuenta con un Consejo de Ministros de Relaciones Exteriores, un Tribunal de Justicia, un Parlamento conformado por los representantes de los Congresos Nacionales y un Consejo Consultivo empresarial y laboral. En 1984 la CAN planteó el lanzamiento de una moneda común, pero la idea nunca se materializó debido a la inestabilidad financiera de sus socios. En 1993 los estados de la Comunidad Andina crearon una zona de libre comercio, y en 1995 entró en vigor un arancel externo común para las importaciones de terceros países. En el seno de la CAN se acuerdan también estrategias jurídicas, educativas y científicas comunes. Su sede está en Lima, Perú.

Civilización minoica

El invento de la: Civilización minoica

Civilización minoica, civilización de la edad del bronce que se desarrolló en la isla de Creta, antes de la llegada de los aqueos. Fue una de las tres culturas principales de la civilización del Egeo; las otras dos fueron la cicládica, que se desarrolló en las islas Cícladas, y la micénica, que se extendió por la península helénica al final del periodo heládico. La civilización minoica alcanzó su máximo esplendor en el II milenio a.C., en Cnosos, Festo, Malia y otros centros prósperos. Se considera que se remonta hasta el 2600 aproximadamente; y que desaparece hacia el 1200 a.C.

Poco se supo sobre ella antes del descubrimiento en 1900 de un gran palacio en Cnosos, por el arqueólogo británico Arthur John Evans, quien la bautizó en alusión a su legendario rey Minos. Lo más probable es que un terremoto dañara el palacio de Cnosos hacia el 1700 a.C., fecha que marcó el final de la fase antigua de la historia de Creta. Una dinastía nueva desarrolló una civilización incluso más brillante. El palacio se reconstruyó de forma más elaborada: tenía una altura de tres o cuatro pisos y contenía muchas habitaciones extensas y pasillos; y la sala del trono estaba decorada con mucho lujo. Entre sus muchas pinturas llaman la atención las escenas del salto del toro, una actividad quizá precursora del mito griego del Minotauro. Los santuarios, dentro del palacio, proporcionaban un lugar para adorar a una diosa madre, probablemente la misma que los griegos llamaron Rea. El hacha doble, representada en algunas de las paredes del palacio, estaba asociada con su culto. En las ruinas también se encontraron hermosas muestras de esculturas y artesanías de metal. Existen pruebas de que los minoicos usaban un sistema complejo de pesas y medidas.

Los reyes de Cnosos alcanzaron su mayor poder hacia el 1600 a.C., cuando controlaban toda la zona del mar Egeo y comerciaban con Egipto. La destrucción de Cnosos y la caída de la civilización minoica coincidieron con el comienzo del periodo más próspero de la civilización micénica en Grecia, lo que permite suponer que los belicosos reyes micénicos atacaron y destruyeron la civilización minoica.

Las excavaciones realizadas en Creta a partir de 1900 revelaron la existencia de aproximadamente 3.000 tablillas de arcilla grabadas en dos escrituras, denominadas lineal A y lineal B. La lineal A, la más antigua de las dos, ya era usada por los minoicos hacia el 1750 a.C. y no ha llegado a descifrarse. También se grababa en tinta sobre piedras y vasijas de terracota. Con frecuencia se cita el único disco de arcilla encontrado en el emplazamiento de Festo como la muestra más antigua de impresión (es decir, reproducción de texto usando letras impresas); el disco se imprimió por ambos lados, mientras estaba húmedo, con una serie de sellos de piedra que constaban de 45 símbolos.

Las tablillas de la escritura lineal B se encontraron en Creta, y también en Pilos y Micenas, en la península helénica; la mayoría de las tablillas datan de un periodo comprendido entre el 1400 a.C. y el 1150 a.C. En 1952, los arquitectos y criptógrafos británicos Michael Ventris y John Chadwick descifraron la escritura lineal B e identificaron la lengua que transcribe como un dialecto antiguo de la lengua griega.

Civilización del valle del Indo

El invento de la: Civilización del valle del Indo

Civilización del valle del Indo (c. 2500-1700 a.C.), primera civilización conocida del sur de Asia, correspondiente a las culturas de la edad del bronce del antiguo Egipto, Mesopotamia y Creta. Se han encontrado vestigios de esta cultura por todo el valle del río Indo en Pakistán, a lo largo de la costa de la frontera de Irán por el oeste, en los estados noroccidentales de la India hasta Nueva Delhi por el este, y en el río Oxus (actual Amu Daria) en el norte de Afganistán. De todas las culturas de la edad del bronce, la civilización del valle del Indo es la que cubre una de las zonas geográficas más extensas.

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CARACTERÍSTICAS

En las excavaciones realizadas se han descubierto bloques de construcciones fabricados con ladrillos de barro separados por calles, y las ciudades, como por ejemplo las de Mohenjo-Daro y Harappa (las dos principales de todo este entorno cultural) están dominadas por grandes edificios públicos, que probablemente fueron escuelas, templos, graneros y palacios. Las ciudades suelen estar divididas en dos grupos de edificios bien diferenciados, uno de los cuales suele estar rodeado por un muro.

El trabajo de los artesanos del valle del Indo muestra un alto grado de especialización. Los objetos más característicos son la típica alfarería en negro sobre fondo rojo, juguetes y estatuillas de cerámica, cuentas grabadas, ornamentos y utensilios de metal (bronce, plata y oro) y sellos con una inscripción sin descifrar. Desgraciadamente, la naturaleza de la organización social de esta compleja cultura aún no ha podido ser completamente interpretada.

Poco después del año 2000 a.C., se produjeron complejos cambios ecológicos en la zona del valle del Indo, que llevaron al abandono de numerosos asentamientos y a la alteración de las características básicas de la civilización. La cultura del valle del Indo tardía se conoce principalmente por las excavaciones de pequeñas poblaciones agrícolas. Los objetos encontrados en estos lugares son estilísticamente parecidos a los de épocas más tempranas pero muestran una mayor variedad regional.

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EXCAVACIONES

La civilización del valle del Indo fue definida por primera vez por las excavaciones del arqueólogo británico sir John Marshall en Mohenjo-Daro y las de M. S. Vat en Harappa (ambas ciudades situadas en lo que hoy en día es Pakistán) en la década de 1920, y a veces se le da el nombre de civilización de Harappa en atención a esta última. En 1946, el arqueólogo británico sir Mortimer Wheeler, mientras realizaba excavaciones en Harappa, encontró alfarería estilísticamente diferente en las zonas ocupadas durante la época más temprana. Posteriores descubrimientos cerca de Kot Diji demostraron que pertenecía a la denominada cultura Kot Diji de principios de la edad de bronce. Desde 1960, eruditos indios, paquistaníes y de Occidente han definido otras tantas culturas de principios de la edad del bronce en Amri, Sothi, Gumla y otros lugares de Pakistán, con características comunes y que contribuyeron a la formación de la civilización del valle del Indo.

Pop Art

El invento del: Pop Art

Whaam!

Roy Lichtenstein pintó en 1963 Whaam!, un acrílico sobre lienzo de 1,73 x 4,06 metros. Lichtenstein fue uno de los primeros artistas que utilizó las imágenes de los comics como tema de sus obras pictóricas. Este cuadro se conserva en la Tate Gallery de Londres.

Pop Art, movimiento artístico iniciado en la década de 1950 en Estados Unidos y Gran Bretaña. Las imágenes del Pop Art (abreviatura de Popular Art, ‘arte popular’) se inspiraron en la cultura de masas. Algunos artistas reprodujeron latas de cerveza o sopa, tiras de cómic, señales de tráfico y otros objetos similares en sus pinturas, collages y esculturas. Otros incorporaron estos objetos cotidianos a sus pinturas o esculturas, a veces completamente modificados. Los materiales fruto de la tecnología moderna, como el poliéster, la gomaespuma o la pintura acrílica, ocuparon un lugar destacado. El Pop Art no sólo influyó en la obra de los artistas posteriores, sino que también ejerció un fuerte impacto en el grafismo y el diseño de moda.

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PRINCIPALES REPRESENTANTES

Lata de sopa Campbell

Lata de sopa Campbell (1962, Leo Castelli Gallery, Nueva York), de Andy Warhol, es uno de los ejemplos más conocidos del Pop Art

Los antecedentes históricos del Pop Art se sitúan en la obra provocativa de los artistas dadaístas, especialmente del francés Marcel Duchamp, y en la tradición pictórica estadounidense caracterizada por el empleo del trampantojo en las representaciones de objetos cotidianos. Por otra parte, varios integrantes de la corriente Pop se habían ganado la vida trabajando como artistas publicitarios.

El movimiento Pop Art comenzó como una reacción contra el expresionismo abstracto, que dominó el arte durante las décadas de 1940 y 1950, al que estos los artistas consideraban demasiado intelectual y apartado de la realidad social. Asumiendo el objetivo del compositor estadounidense John Milton Cage —eliminar las distancias entre arte y vida— los artistas Pop se aproximaron con ironía al ambiente de la vida cotidiana. Emplearon imágenes que reflejaban el materialismo y vulgaridad de la moderna cultura de masas para transmitir una percepción crítica de la realidad, más inmediata que aquella ofrecida por la pintura realista del siglo XIX.

Andy Warhol

Retrato del artista estadounidense Andy Warhol, uno de los principales representantes del Pop Art.

En Estados Unidos, Robert Rauschenberg y Jasper Johns proporcionaron el impulso inicial: Rauschenberg con sus collages elaborados con objetos domésticos, como colchas y almohadas, y Johns con sus series de pinturas repetitivas de la bandera de su país y de dianas. La primera obra destacada del Pop Art fue ¿Qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan distintos, tan simpáticos? (1956, colección particular) del artista británico Richard Hamilton. En esta satírica obra, que representa dos absurdas figuras que se pavonean en un salón, se pueden apreciar los principales rasgos del Pop Art: descontextualización, incongruencia, provocación y buen humor.

El Pop Art se difundió rápidamente. En 1960 el artista británico David Hockney pintó Typhoo Tea (Londres, Gallería Kasmin), una de las primeras pinturas que reprodujo la marca comercial de un producto. En el mismo año, Johns finalizó sus vaciados en bronce sobre las latas de cerveza Ballantine. En 1961, el estadounidense Claes Oldenburg realizó la primera de sus estridentes esculturas de plástico en forma de hamburguesa y otras clases de fast food (‘comida rápida’). Al mismo tiempo, Roy Lichtenstein, ampliaba el campo del Pop Art con sus enormes pinturas al óleo imitando las viñetas del cómic. Algunos artistas también produjeron happenings, espectáculos interactivos montados como obras de arte.

Además de emplear las imágenes de la cultura de masas, el Pop Art se apropió de las técnicas de la producción masiva. Rauschenberg y Johns ya habían abandonado la idea de obra única en favor de la producción de composiciones seriadas. A principios de 1960, el estadounidense Andy Warhol llevó esta idea un poco más lejos al adoptar la técnica de la serigrafía, capaz de imprimir cientos de estampas idénticas de botellas de Coca Cola, latas de sopa Campbell y otros objetos representativos de la cultura consumista.

Otros ejemplos importantes del Pop estadounidense fueron las obras escultóricas de George Segal y Wayne Thiebaud o las series satíricas del Gran desnudo americano, pintadas por Tom Wesselmann. En España, el Pop Art está representado por la pintura del Equipo Crónica, en cuya obras se desmitifica el arte tradicional y se abordan ciertos aspectos de la problemática social.

Op Art

El invento del:Op Art

Vonal-Stri

Entre las obras más representativas del Op Art están los cuadros que pintó Victor Vasarely durante las décadas de 1960 y 1970. En Vonal-Stri (1975) la mirada se precipita hacia el cuadrado negro situado en el centro del lienzo. La sensación de movimiento se incrementa por la ilusión de curvatura del plano de la izquierda.

Op Art, corriente artística que surgió a finales de la década de 1950 cuya finalidad es producir la ilusión de vibración o relieve sobre la superficie plana del cuadro en virtud de las leyes de la óptica. Su principal diferencia con el arte cinético es la total ausencia de movimiento real. El término, que procede de la expresión inglesa Optical Art (‘arte óptico’), hace referencia en tono irónico al Pop Art. Entre sus iniciadores se encuentran Josef Albers, Victor Vasarely y ciertas obras incluidas dentro de la llamada abstracción geométrica.

El movimiento quedó definido a partir de una exposición celebrada en 1965 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York titulada The Responsive Eye que agrupaba a una serie de artistas de distintas nacionalidades seguidores de esta tendencia. Entre sus principales representantes estaban la británica Bridget Riley y los estadounidenses Ellsworth Kelly y Kenneth Noland. También se inscriben dentro de esta corriente el español Eusebio Sempere y el colombiano Omar Rayo. Las cuidadas formas del Op Art gozaron de una rápida y entusiasta aceptación por parte de la crítica y del público en general convirtiéndose en fuente de inspiración para sectores como la publicidad, la moda y el grafismo.

Futurismo

El invento del: Futurismo

Escultura futurista

Con este bronce de 1913 de título Formas únicas de continuidad en el espacio, el artista futurista italiano Umberto Boccioni intentó mostrar el modo en que el cuerpo humano interactúa con su entorno a medida que se mueve. Esta escultura se encuentra en la Tate Gallery de Londres.

Futurismo, movimiento artístico de comienzos del siglo XX que rechazó la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine, música, poesía) capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir de nuevo la faz del mundo. El poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti recopiló y publicó los principios del futurismo en el manifiesto de 1909. Al año siguiente los artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini firmaron el Manifiesto del futurismo.

El futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un solo plano. Ejemplos destacados son el Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin (1912, Museo de Arte Moderno, Nueva York) y el Tren suburbano (1915, Colección Richard S. Zeisler, Nueva York), ambos de Gino Severini. En el campo de la fotografía destacaron los hermanos Bragaglia y sus imágenes movidas, que ofrecen tiempos sucesivos y trayectoria de los gestos, como en Carpintero serrando o Joven meciéndose.

En 1914 se presentaron también los primeros dibujos sobre una ciudad moderna de Antonio Sant'Elia y Mario Chiattone. Sant'Elia presentó ese mismo año su Manifiesto de la arquitectura futurista, un proyecto utópico que cristalizó en las imágenes de la Ciudad Nueva: la nueva medida ya no era el edificio, sino la estructura urbana, y apostaba, además, por las nuevas tipologías, como estaciones de trenes y aeroplanos, centrales eléctricas, casas escalonadas con ascensores… Se trataba de un nuevo mundo vertical y mecánico, conectado a través de redes de ascensores de hierro y cristal.

Aunque el futurismo tuvo una corta existencia, aproximadamente hasta 1914, su influencia se aprecia en las obras de Marcel Duchamp, Fernand Léger y Robert Delaunay en París, así como en el constructivismo ruso. En 1915 algunos de los representantes del futurismo, como Marinetti y Sant'Elia, se enrolaron en un batallón de voluntarios, de acuerdo con el punto nueve de su decálogo fundacional, donde se ensalzaba la guerra como la única higiene del mundo. Algunos de ellos murieron, como Sant'Elia, y los demás radicalizaron sus posiciones, como la conocida conversión al fascismo en las elecciones de 1919.

Fauvismo

El invento del: Fauvismo

Puente de Londres

Puente de Londres (1906, Museo de Arte Moderno, MOMA, Nueva York), de André Derain, presenta la perspectiva distorsionada, pincelada libre y fuerte colorido característicos de los pintores fauvistas.

Fauvismo, movimiento pictórico francés de escasa duración (entre 1904 y 1908, aproximadamente) que revolucionó el concepto del color en el arte contemporáneo. Los fauvistas rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas en favor de los colores violentos, introducidos por los postimpresionistas Paul Gauguin y Vincent van Gogh, para crear un mayor énfasis expresivo. Alcanzaron una intensa fuerza poética gracias al fuerte colorido y al dibujo de trazo muy marcado, desprovisto de dramatismo lumínico.

El término fauves, literalmente ‘fieras’, fue una etiqueta peyorativa aplicada, probablemente por el crítico Vauxcelles, con motivo de la primera exposición, celebrada en la sala VII del Salón de Otoño de 1905, donde se mostraba un torso italianizante entre estas pinturas de colores casi puros; ante esta visión, parece ser que el crítico exclamó: “Donatello entre las fieras”. Sus integrantes fueron André Derain, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Georges Braque, Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy, Emile Othon Friesz y Henri Matisse, su principal exponente. El término fauves nunca fue aceptado por los propios pintores y, de hecho, no describe de ningún modo su intención subjetiva ni el lirismo de sus imágenes.

El fauvismo, a diferencia de otros ismos, no reclamaba un programa estético ni lanzó ningún manifiesto. Pretendían revisar cuestiones abiertas aún no resueltas por los impresionistas, como la imposibilidad de imitar los efectos de la luz solar y su representación a través del color. De este modo su intención fue la de explorar el color como un medio expresivo independiente de la recreación de la luz.

Técnicamente, el uso fauvista del color derivó de los experimentos realizados por Matisse en Saint-Tropez durante el verano de 1904, donde contactó con los pintores que aplicaban pequeñas manchas de color puro para conseguir una imagen óptica más científica que la de los impresionistas. Los cuadros neoimpresionistas de Matisse, mientras siguió estrictamente estas reglas, ya mostraban un pronunciado interés por el lirismo del color.

En general, se suele hablar de dos etapas del movimiento fauvista: la primera, entre 1905 y 1906, denominada fauvismo de la técnica mixta, que se caracterizaba por la síntesis entre el divisionismo de Georges Seurat y la arbitrariedad de las áreas cromáticas de Vincent van Gogh. La segunda es el llamado fauvismo del color plano, desarrollada entre los años 1906 y 1907, influida por Gauguin y donde ya se apreciaba una madurez cromática y formal.

En el verano de 1905, Matisse y Derain pintaron juntos en Collioure con “una luz dorada que elimina sombras”. Empezaron a usar los colores complementarios puros, en pinceladas vigorosas y uniformes, sueltas y alargadas, obteniendo así campos lumínicos más que representaciones objetivas de la luz. Con su colorido estridente, estos cuadros evocan en el espectador el espíritu del Mediterráneo. Cuando ambos conocieron las pinturas de los mares del Sur de Gauguin, se confirmaron en sus teorías sobre la subjetividad del color y se consolidó el movimiento fauvista.

Matisse rompió definitivamente con la representación naturalista (óptica) del color: la nariz de una mujer puede representarse con una mancha verde si con ello se añade expresividad a la composición. “Yo no pinto mujeres, pinto cuadros”, dijo textualmente este artista.

Cada pintor fauvista experimentó con las premisas del estilo a su modo. Hacia 1908, no obstante, todos habían abandonado su vinculación al grupo, aunque mantuvieron en su obra la constante del colorido como elemento expresivo de la pintura.

Manierismo

El invento del: Manierismo

Mercurio, de Giambologna

El artista flamenco-italiano Giambologna (Juan de Bolonia) es uno de los escultores más representativos del manierismo, autor de obras de gran complejidad en mármol y bronce. Su escultura en bronce Mercurio, notable por su etérea elegancia, es una pieza significativa de la tradición manierista. Fue esculpida en 1580 y forma parte de la colección del Museo del Bargello, en Florencia, Italia.

Manierismo, estilo que se desarrolló en Italia en el siglo XVI. Se caracteriza por el uso de modelos muy plásticos, figuras exageradas, a menudo con posturas forzadas, un irreal tratamiento del espacio, con frecuencia de efectos dramáticos, y una aparente elección arbitraria del color. Supone el rechazo del equilibrio y la claridad del renacimiento en busca de composiciones más dramáticas y complejas, y el deseo de efectos más emotivos, de mayor movimiento y contraste. En este aspecto, anticipó el barroco que se desarrollaría hacia el año 1600.

El término deriva de la palabra italiana maniera, en el sentido de modo o manera en que los artistas de segunda fila imitaban la maniera de los grandes. La idea surgió en el siglo XVII con un significado peyorativo, aludiendo al arte manierista como un movimiento de ínfima calidad. No será hasta el siglo XX, con autores como Hauser o Dvorak, cuando se inicie la revisión de este concepto, otorgándole la denominación de estilo artístico y unos valores propios.

El manierismo no fue una reacción contra los cánones del renacimiento, sino que creció fuera de él, cultivando casi en exceso el estilo (maniera, en italiano, palabra utilizada en su origen por Giorgio Vasari) con el que la figura humana era tratada por los últimos maestros italianos como Rafael y Miguel Ángel, cuyas obras proporcionaron el impulso para su desarrollo. Así, el Juicio Final (1536-1541, Capilla Sixtina, Vaticano) de Miguel Ángel coincide con la obra de algunos pintores manieristas.

Descendimiento de la cruz

Descendimiento de la cruz (1521, Pinacoteca Comunal, Volterra) es un cuadro intencionadamente inquietante en que su autor, Rosso Fiorentino, se distancia de los cánones del alto renacimiento y evoluciona hacia un nuevo estilo llamado manierismo.

En el periodo que abarca desde 1530 —inmediatamente después del saqueo de Roma en el año 1527— hasta que finalizase el siglo XVI, el arte italiano se desarrolló con menor coherencia. De esta forma, durante el manierismo, florecieron un importante número de artistas en todas las artes.

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LA ARQUITECTURA MANIERISTA

A pesar de que existen obras renacentistas donde ya se pueden encontrar rasgos propios del manierismo, como sucede con la Biblioteca Laurenciana de Miguel Ángel, la arquitectura manierista tiene algunas características que la diferencian de su estilo predecesor. Según el tratadista Sebastiano Serlio, se trata de “romper y perturbar la forma bella”, y así se procede en la arbitraria alteración de la correspondencia entre las partes del edificio, rompiendo de este modo la lógica de las relaciones espaciales renacentistas. Además, se pierden o difuminan las coordenadas espaciales del periodo anterior, de tal manera que el edificio ya no se ordena según un eje de simetría.

Se prefieren los espacios longitudinales y las salas estrechas que favorecen la perspectiva, y la decoración llega a cubrir en ocasiones la totalidad del muro, de modo que se desdibuja la función de algunos elementos sustentantes. En ocasiones esa decoración se llena de intencionados ‘errores’, motivos muy exagerados que tienen su paralelo en el alargamiento de las figuras en la pintura.

Entre los arquitectos de este periodo, Andrea Palladio (1508-1580) fue el más destacado. Formado como cantero en su nativa Vicenza, se convirtió en arquitecto hacia la mitad de su vida. Además de desarrollar una arquitectura práctica, Palladio escribió tratados, entre los que destaca los Cuatro libros de Arquitectura, que publicó en 1570, a modo de tratado práctico con poco texto y numerosos grabados.

Sus obras más destacadas son una serie de villas campestres que construyó próximas a Venecia, en el Véneto. Particularmente significativa es La Rotonda (1551), cerca de Vicenza. Construida en un ligero promontorio, el edificio, con cúpula, tiene idénticas fachadas en sus cuatro lados, y se completa con una escalinata y un porche de seis columnas. Más que otros edificios, la villa La Rotonda sirvió de inspiración al estilo neopalladiano, movimiento arquitectónico inglés que dominó el diseño de edificios en el siglo XVIII tanto en Inglaterra como en las colonias angloamericanas, y que llegó a ser considerado estilo nacional, en oposición al barroco que se creaba en los países católicos. El plan de Palladio para la iglesia de Il Redentore (comenzada en el año 1577) en Venecia incluye el uso de órdenes arquitectónicos distintos y de elementos superpuestos (columnas y pilastras) en la fachada, combinación que empezó a ser importante en el siglo XVII.

El arquitecto Iacopo Sansovino (1486-1570) trabajó en Venecia durante pocas décadas antes que Palladio. La Biblioteca Marciana de Sansovino (1536-1588), ubicada en la plaza de San Marcos en Venecia, es el edificio renacentista más admirado de esta época. También en Venecia construyó la loggetta del campanile situada en la base de la catedral de San Marcos, enriquecida con relieves y estatuas obra del propio Sansovino.

Con análoga estructura a la Biblioteca Marciana, se encuentra en Florencia la Galería de los Uffizi, diseñada entre los años 1560-1580 por Giorgio Vasari (1511-1574) como sede administrativa de la familia Medici, actualmente convertida en museo. Vasari es más conocido hoy día como el autor del libro Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos, la primera biografía sistemática realizada sobre artistas italianos del renacimiento.

Giulio Romano fue otro de los grandes arquitectos del momento. Discípulo de Rafael, colaboró junto a este gran pintor en la decoración de las logias del Vaticano, pero pronto abandonó el refinamiento rafaelista para hacer composiciones gigantescas, monumentales, tanto en arquitectura como en pintura. La obra más importante es el palacio del Tè en Mantua, villa suburbana construida para la familia Gonzaga, y cuya decoración realizó él mismo.

Otros arquitectos destacados en este momento fueron Bartolommeo Ammanati (1511-1592), a quien se debe la construcción de los jardines del palacio Pitti, en Florencia, y el Collegio Romano, casa de los jesuitas en Roma. Por último, incluir a Iacopo Barozzi da Vignola (1507-1573), autor de la iglesia del Gesù en Roma, y también a Michele Sanmicheli (1484-1559), que construyó las fortificaciones de las ciudades de Verona, Lido, Murano, Dalmacia, Corfú, Chipre y Creta, además de palacios y puertas en la ciudad de Verona.

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LA PINTURA

Los testimonios más interesantes de la pintura manierista los ofrecen las ciudades de Florencia, Parma y Venecia. Fue allí donde se presentaron una serie de innovaciones que configuran este estilo pictórico: arbitrariedad en el uso del color y de las proporciones, tensos escorzos, alargamiento excesivo de las figuras, distorsión y dislocamiento, trazado serpentiforme, figuras constreñidas por estrechos marcos, expresiones de angustia…, todo ello preludio del barroco.

En Florencia destaca, entre otros, Rosso Fiorentino (1494-1540), autor del Descendimiento de la cruz (1521, Pinacoteca Comunal, Volterra), donde se manifiestan la violencia del color y la estridencia en la iluminación, además de unas figuras muy pesadas, sólidas y esculturales; son obra suya, asimismo, cinco frescos de la Pasión de Cristo (1522-1525, Monasterio Cartujano, Galluzzo, Italia). También en Florencia sobresale Jacopo da Carucci, Il Pontormo (1494-1557), autor del Descendimiento de la cruz (1526, Santa Felicità, Florencia), y su discípulo, llamado Il Bronzino (1503-1572), pintor del magnífico retrato de Leonor de Toledo y Giovani de Medici (1545, Galería de los Uffizi, Florencia), quien aplicó el tratamiento del manierismo al género del retrato y a la pintura alegórica, como en su famosa Alegoría de Venus, Cupido, Locura y Tiempo (c. 1546, National Gallery, Londres). También es importante el trabajo del pintor sienés Domenico Beccafumi (1486-1551), que en el Nacimiento de la Virgen (1544, Pinacoteca Nacional, Siena) creó una típica composición manierista con un uso dramático de luces y sombras.

En la ciudad de Parma destacan los pintores Parmigianino y Correggio. Correggio, considerado como el maestro del escorzo, es autor de numerosos frescos y óleos de algunas iglesias de Parma, como El descendimiento (1524, Galería Nacional de Parma) para la iglesia de San Juan, además de pinturas al óleo para la decoración del castillo de la misma ciudad y también para el palacio del Tè, donde realizó una serie de pinturas sobre los amores de Zeus, entre las que destaca el Rapto de Ganímedes (c. 1531, Kunsthistorisches Museum). Parmigianino, cuyo verdadero nombre era Girolamo Francesco Maria Mazzuoli, produjo uno de los ejemplos más notables de la pintura manierista, La Virgen del cuello largo (1534-1540, Galería de los Uffizi, Florencia), caracterizada por la extrema verticalidad de la composición y una ambigua relación espacial, además de una gran sofisticación y una notable influencia de los conceptos rafaelescos y miguelangelescos. Muy famoso es también su Autorretrato (1524, Kunsthistorisches Museum, Viena), donde copia su imagen en un espejo convexo de forma circular, de tal manera que su rostro aparece distorsionado.

El último gran foco de la pintura manierista es Venecia, donde destaca Tintoretto (1518-1594), autor de fuertes escorzos, luces tenues y figuras alargadas, de fuerte sentido dramático y movilidad. Entre sus obras destaca El lavatorio (1547, Museo del Prado, Madrid), donde la escena principal es desplazada hacia el lateral derecho, en un rincón de la gran estancia.

También El Greco (1541-1614) merece una mención especial dentro de la pintura manierista. La mayor parte de su obra fue producida en la ciudad de Toledo, y sus figuras se caracterizan por un sentido puro de espiritualidad, alargamiento excesivo y expresiones melancólicas. Entre sus obras cabe citar El entierro del conde de Orgaz (1586, iglesia de Santo Tomé, Toledo), donde la superficie del cuadro ha quedado dividida en dos zonas: la superior o zona celestial, donde aparecen Cristo, la Virgen, santos y ángeles, y la inferior o terrenal, donde se representa el entierro. Las figuras son excesivamente largas, cortadas y serpentinadas; las luces parecen artificiales, y predomina el color frente a la línea.

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LA ESCULTURA

Al igual que en arquitectura y en pintura, la escultura manierista tiende a quebrantar el ideal clásico de armonía, claridad y simetría. El rasgo más sobresaliente de la escultura de este periodo es la preferencia por el uso de la figura serpentinata, donde esta se contorsiona imitando una ascensión helicoidal. Además, las figuras suelen estar tensas, y no ofrecen un único punto de vista.

Benvenuto Cellini fue uno de los máximos escultores y orfebres de finales del renacimiento. Su azarosa vida se detalla en su autobiografía, escrita entre 1538 y 1562. La obra más famosa de Cellini es la escultura en bronce que representa a Perseo (1545-1554, Loggia dei Lanzi, Florencia). El héroe, desnudo y exhibiendo su musculatura, sostiene con su mano la cabeza decapitada y ensangrentada de Medusa.

La obra del flamenco Juan de Bolonia, arquitecto y escultor establecido en Italia, se incluye en el manierismo. El rapto de las sabinas (1583), que permanece expuesto junto al Perseo de Cellini en la Loggia dei Lanzi, está compuesto por tres figuras desnudas entremezcladas que ascienden verticalmente en espiral. En esta escultura, realizada en mármol, Juan de Bolonia evita la frontalidad buscando un efecto de violencia que se pueda observar desde todos sus ángulos.

Neoclasicismo

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Juramento de los Horacios
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El Juramento de losHoracios (1784-1785) de Jacques-Louis David fue una de las pinturas encargadaspor Luis XVI para elevar la moralidad pública a través del arte.

Neoclasicismo, estilo artístico que se desarrolló especialmente en la arquitectura y las artes decorativas; floreció en Europa y Estados Unidos aproximadamente desde el año 1750 hasta comienzos de 1800 y se inspiró en las formas grecorromanas. Más que un resurgimiento de las formas antiguas, el neoclasicismo relaciona hechos del pasado con los acontecidos en su propio tiempo. Los artistas neoclásicos fueron los primeros que intentaron reemplazar la sensualidad y la trivialidad del rococó por un estilo lógico, de tono solemne y austero. Cuando los movimientos revolucionarios establecieron repúblicas en Francia y en América del Norte, los nuevos gobiernos republicanos adoptaron el neoclasicismo como estilo oficial porque relacionaban la democracia con la antigua Grecia y la República romana. Más tarde, cuando Napoleón I subió al poder en Francia, este estilo se modificó para servir a sus necesidades propagandísticas. Con el nacimiento del movimiento romántico (véase Romanticismo) la prioridad por la expresión personal sustituyó al arte basado en valores ideales.

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GÉNESIS DEL ARTE NEOCLÁSICO

El estilo neoclásico se desarrolló tomando como punto de referencia la excavación en Italia de las ruinas de las ciudades romanas de Herculano en 1738 y de Pompeya en 1748, la publicación de libros tales como Antigüedades de Atenas (1762) de los arqueólogos ingleses James Stuart y Nicholas Revett y la llegada de la colección Elgin a Londres en 1806. Ensalzando la noble simplicidad y el gran sosiego del estilo grecorromano, el historiador alemán Johann Winckelmann instó a los artistas a estudiar y a imitar su eternidad y sus formas ideales. Sus ideas encontraron una entusiasta acogida dentro del círculo de artistas reunidos en torno a él en el año 1760 en Roma.

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ARQUITECTURA

Casa de Osterley Park

Robert Adam reconstruyó entre 1761 y 1780 esta casa de Osterley Park en Middlesex, siguiendo los planteamientos neoclasicistas. Su estilo, conocido como georgiano, estaba inspirado en la obra de Palladio, que a su vez había reinterpretado la arquitectura de la antigüedad clásica.

Antes de que se realizaran los descubrimientos de Herculano, Pompeya y Atenas, el único punto de referencia conocido de la arquitectura romana era el proporcionado por los grabados de edificios de arquitectura clásica romana realizados por el artista italiano Giovanni Battista Piranesi. Los nuevos hallazgos arqueológicos encontrados proporcionaron el vocabulario de la arquitectura formal clásica y los arquitectos empezaron a inclinarse por un estilo basado en modelos grecorromanos.

El trabajo del arquitecto y diseñador escocés Robert Adam, que en la década de 1750 y 1760 diseñó varias casas de campo inglesas (entre las cuales destacan la casa Sion, 1762-1769 y Osterley Park 1761-1780), le convierten en el introductor del estilo neoclásico en Gran Bretaña. El estilo Adam, tal y como se le conoce, evoca el rococó por su énfasis en la ornamentación de fachadas y un refinamiento a gran escala, incluso al adoptar los motivos de la antigüedad.

Museo de sir John Soane

La casa de John Soane en Londres, convertida en museo en la actualidad, contiene muchos de los elementos que lo convirtieron en uno de los más famosos arquitectos neoclásicos de finales del siglo XVIII y principios del XIX, como los grandes ventanales y las bóvedas vaídas.

En Francia, Claude Nicolas Ledoux diseñó un pabellón (1771) para la condesa du Barry en Louveciennes y una serie de puertas para la ciudad de París (1785-1789). Ambos casos ejemplifican la fase inicial de la arquitectura neoclásica francesa; sin embargo, sus obras más tardías comprendían proyectos (que nunca se llegaron a ejecutar) para una ciudad ideal en la cual los edificios quedaban reducidos, con frecuencia, a formas geométricas desornamentadas. Después de que Napoleón fuese nombrado emperador en el año 1804, sus arquitectos oficiales, Charles Percier y Pierre François Fontaine, trabajaron para llevar a cabo su deseo de transformar París en la capital más importante de Europa imitando el estilo opulento de la arquitectura imperial romana. La arquitectura de estilo imperio se ejemplifica en construcciones como el arco de triunfo del Carrousel del Louvre, diseñado por Percier y por Fontaine, y los Campos Elíseos, diseñados por Fontaine; ambos trabajos, iniciados en el año 1806 se encontraban lejos del espíritu de la obra visionaria de Ledoux.

Ejemplos de arquitectura inglesa inspirada en los modelos griegos son el Banco de Inglaterra de John Soane así como el pórtico del Museo Británico por Robert Smirke. El neogriego fue sustituido por el estilo regencia, cuyos ejemplos arquitectónicos más notables son las fachadas de Regent Street en Londres, diseñadas por John Nash y comenzadas en el año 1812, y el Royal Pavilion en Brighton (1815-1823). La arquitectura neoclásica de Edimburgo, Escocia, representa la vertiente más pura, por lo que la ciudad se ganó el nombre de la Atenas del Norte. De otra parte, la arquitectura neoclásica en Berlín está representada por el Teatro Real obra del alemán Karl Friedrich Schinkel (1819-1821).

Planta del Altes Museum

El Altes Museum de Berlín (1822-1830) es obra del arquitecto Karl Friedrich Schinkel, principal representante de la corriente neoclasicista en Alemania. Su fachada principal, recorrida por una espectacular columnata de estilo jónico, se abre al interior del edificio en su punto central por un pórtico tetrástilo desde donde se accede a la impresionante rotonda diseñada a imagen del Panteón de Roma.

En Estados Unidos se desarrolló una variante del neoclasicismo, el estilo federal, que surgió entre 1780 y 1820. Inspirada en la obra de Robert Adam, el arquitecto Charles Bulfinch realiza la Massachusetts State House en Boston terminada en el año 1798. El modelo para el edificio del Capitolio de Thomas Jefferson en Richmond, Virginia (1785-1789), fue el templo romano del siglo I la Maison-Carrée en Nimes, Francia. Por medio de lecturas y de viajes, Jefferson realizó un profundo estudio de la arquitectura romana, aplicó sus conocimientos a los diseños de su propia casa en Monticello, a los del campus de la Universidad de Virginia y contribuyó en los proyectos preliminares de la nueva capital Washington D.C. Sus obras ejemplifican el estilo neoclásico en Estados Unidos.

El estilo neogriego, basado en los templos del siglo V e inspirado en los mármoles de Elgin, floreció durante la primera mitad del siglo XIX en Estados Unidos. Ambos estilos, el federal y el neogriego, ayudaron a definir el estilo propio de la arquitectura estadounidense.

Las figuras más representativas de la arquitectura neoclásica española fueron, entre otros, Ventura Rodríguez (palacio de los duques de Liria), el italiano Francesco Sabatini, autor de la Puerta de Alcalá en Madrid, y Juan de Villanueva, que hizo el Museo del Prado de Madrid.

Al igual que en España, el neoclasicismo en Hispanoamérica también estuvo dirigido por las Academias. Entre los edificios más representativos destacan la Casa de la Moneda en Santiago de Chile, el palacio de la Minería y la fábrica de cigarros en México, y la iglesia de San Francisco en Cali, Colombia.

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PINTURA

Autorretrato deKauffmann

Angelika Kauffmann pintó este Autorretrato a finales del siglo XVIII. La artista británica, que inició su carrera en el rococó como discípula de Joshua Reynolds, evolucionó más tarde hacia la pintura neoclasicista.

La pintura neoclásica se centró en Roma, donde muchos pintores expatriados se agruparon en torno a la figura del historiador alemán Johann Winckelmann. Su círculo incluía al pintor bohemio Anton Raphael Mengs, el escocés Gavin Hamilton y el estadounidense Benjamin West. El Parnaso de Mengs (1761) un fresco pintado para la villa Albani en Roma, fue diseñado especialmente por consejo de Winckelmann. A diferencia de las típicas composiciones de frescos del barroco o del rococó, su composición es simple: sólo unas pocas figuras, en total calma, con poses semejantes a las de estatuas antiguas. Entre 1760 y 1765, Hamilton, quien fue también arqueólogo y marchante, completó cinco cuadros basados en modelos de la escultura antigua e inspirados en la Iliada de Homero. West trabajó en Roma desde 1760 a 1763. Para alguna de sus obras como Agripina desembarcando en Brundidium con las cenizas de Germánico (1768, Yale University Art Gallery, New Haven, Connecticut) se inspiró en su experiencia en Roma. Solemne y austero en cuanto al tratamiento y al tema, reproduce sin embargo con sumo detalle los motivos arqueológicos.

Las mismas tendencias se hacen patentes en la obra temprana del pintor francés Jacques-Louis David, uno de los máximos exponentes de la pintura neoclásica. Su Juramento de losHoracios (1784-1785, Louvre, París) exalta el tema del patriotismo estoico. El cuadro neoclásico concebido como espacio arquitectónico y el friso como cita de figuras, reflejan la preocupación neoclásica de composición lógica y clara. Los perfiles definidos y una luz dura proporcionan a estas figuras la cualidad de estatuas. Los trabajos realizados por David, encargados por Napoleón, como la Coronación de Napoleón y Josefina (1805-1807, Louvre) están muy alejados del esplendor y del poder que emanaba la ceremonia.

A comienzos de la década de 1790 los artistas empezaron a pintar imitando las siluetas representadas en la cerámica griega. El exponente más destacado de esta manifestación fue el inglés John Flaxman, cuyos grabados de líneas simples, para las ediciones de la Iliada y la Odisea de Homero sustituían la perspectiva tradicional, la luz y el modelado, por diseños de líneas puras. Uno de los alumnos más aventajados de David, heredero de su trayectoria e intérprete de la tradición clásica fue Jean August Dominique Ingres que adoptó la doble dimensionalidad de la obra de Flaxman, tal y como puede apreciarse en su obra Los embajadores de Agamenón (1801, Escuela de Bellas Artes, París).

En España destacan los pintores neoclásicos José de Madrazo, con La muerte de Viriato (c. 1808, Museo del Padro, Madrid), José Aparicio (1773-1838) y Juan Antonio Ribera (1779-1860), uno de los pocos artistas davidianos españoles autor del célebre cuadro Cincinato abandona la labranza para dictar leyes en Roma (Museo de Cáceres).

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ESCULTURA

Venus, de Antonio Canova

El escultor neoclasicista Antonio Canova gozó de gran popularidad a finales del siglo XVIII y principios del XIX, en parte gracias al mecenazgo de Napoleón Bonaparte. Su sensualidad se aprecia en esta recatada estatua de Venus.

Dado que la escultura en Europa ha estado muy influida por las formas clásicas desde el renacimiento, los principios neoclásicos han sufrido menor impacto que en otras manifestaciones artísticas. En general, los escultores neoclásicos tienden a plasmar poses contorsionadas en mármoles de colores característicos del último barroco o del rococó, preferentemente contornos limpios, una reposada actitud y formas idealizadas ejecutadas en mármol blanco.

Los primeros ejemplos de escultura neoclásica fueron realizados por artistas en contacto directo con el círculo de Winckelman en Roma. Entre otros escultores hemos de citar a John Tobias Sergel, quien de regreso a su Suecia natal llevó el nuevo estilo al norte de Europa, y los ingleses Thomas Banks y Joseph Nollekens quienes introdujeron el estilo en su país. No obstante, la figura dominante en la historia de la escultura neoclásica fue el italiano Antonio Canova que se convirtió en miembro del círculo de Roma en el año 1780; después de haber abandonado el estilo barroco, buscó en el estilo neoclásico la severidad y la pureza del arte antiguo. Teseo y la muerte del minotauro (1781-1782) reflejan más la calma de la victoria que la propia contienda; ésta fue la primera obra de Canova en su nuevo estilo, y le proporcionó fama inmediata.

A la muerte de Canova el artista danés Bertel Thorvaldsen heredó su prestigiosa posición de escultor en Europa. Sus múltiples encargos internacionales permitieron mantener el estricto neoclasicismo como la corriente dominante en la escultura hasta mediados del siglo XIX. El estilo fue llevado a Estados Unidos por uno de sus amigos, Horatio Greenough y continuado por Hiram Powers un artista estadounidense que residió durante bastante tiempo en Italia, autor del célebre Esclavo griego (1843) del cual se han realizado numerosas réplicas.

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ARTES DECORATIVAS

Vasija de porcelana de Wedgwood

Esta vasija del escultor inglés John Flaxman data de 1780. Está realizada para Josiah Wedgwood en loza de jaspe, un tipo de porcelana de fondo azulado y bajorrelieve blanco que obtuvo una gran aceptación entre los artistas neoclasicistas.

El estilo neoclásico se extendió también a las artes decorativas. Alrededor del año 1760, Robert Adam realizó muebles con motivos grecorromanos. Introducido en Francia, este estilo simple y clásico empezó a ser conocido como estilo etrusco y fue favorecido por la corte de Luis XV. Con adaptaciones posteriores de diseño clásico, inspiradas en los hallazgos arqueológicos, se desarrolló como un estilo elegante conocido como Luis XVI, propiciado por la familia real durante la década de 1780. En cerámica, el estilo neoclásico lo hallamos en la cerámica de Josiah Wedgwood en Inglaterra, para la que Flaxman realizó muchos diseños, y en la porcelana de Sèvres en Francia.

En la época de Napoleón I, las residencias reales más antiguas fueron redecoradas para el uso oficial, de acuerdo con los planes diseñados por Percier y Fontaine: muebles, porcelanas, tapices, todo ello con diseños y motivos grecorromanos. Interpretados como un todo, los interiores definían el estilo imperio en las artes decorativas que fueron muy pronto imitadas en toda Europa.